17
nov 13

In de spotlight: Jeff Buckley

 

 

Vandaag is de dag dat de Amerikaanse zanger/gitarist/songwriter Jeff Buckley 45 jaar zou zijn geworden.

 

In 1994 bracht hij zijn eerste studio album uit, getiteld Grace. Op deze plaat staan eigen composities, aangevuld met covers die hij op geheel eigen wijze vertolkt, zoals zijn prachtige versie van Hallelujah van Leonard Cohen.

 
Helaas was zijn succes van korte duur. Jeff besloot op 29 mei 1997 een duik te nemen in de Wolf River Harbor en is daar verdronken. Hij is 30 jaar oud geworden.

 
Dit gebeurde in de periode dat hij zijn tweede album wilde opnemen. Het is er nooit van gekomen, maar zijn niet uitgebrachte nummers en demo’s zijn verzameld op een album genaamd Sketches for ‘My Sweetheart the Drunk’.

 
Hieronder zijn versie van Hallelujah en een live versie van Mojo Pin. Luister vooral ook naar zijn andere eigen composities met prachtige teksten, zoals ‘Morning Theft’, ‘Last Goodbye’, ‘Lover, You Should’ve Come Over’ en nog veel meer.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 
09
nov 13

In de spotlight: Wende – Last Resistance

 

 

Na een zeer indrukwekkend concert van Wende Snijders in een sfeervol Bibelot, vond ik het tijd om eindelijk eens iets over haar te plaatsen.

 

Wende Snijders, een veelzijdige zangeres die niet bang is van gedaante te wisselen. Haar mening is dat je niet moet willen blijven hangen in wat je al doet of kan, maar jezelf het beste kunt ontwikkelen door veel uit te proberen. Dat heeft ze gedaan!

 

Ze legde een route af langs Franse Chansons en Engelstalige pop georiënteerde nummers om op dit moment uit te komen bij een meer elektronisch georiënteerd album.

 

Fantastische stem, intense performance, doordachte liedjes en arrangementen en een waanzinnige band die het fundament vormt van de show. De clubtour is nu afgelopen, maar Wende gaat de theaters in met dezelfde liedjes, maar een andere show. Ga dat live zien!

 

Hieronder de videoclip van Devil’s Pact.

 

 

 

 

 

 

 
22
mei 13

Artikel: Liedteksten: de spil van een lied, of juist niet?

 

 

Door Siebe Palmen
Zanger/Liedschrijver


© 2013 Vocal Arts Academy
www.siebepalmen.nl
www.vocalartsacademy.nl

 

Als ik het met leerlingen (en ook met collega’s) heb over liedinterpretatie, gaat het gesprek al snel over de inhoud van de tekst en hoe je die zo goed mogelijk op je publiek overbrengt. Op zichzelf best logisch, wij zijn als vocalisten de enige muzikanten die gebruik maken van woorden en daarmee een verhaal kunnen vertellen. Ikzelf ben een ontzettende “tekstzanger”; ik hou van taal, ik analyseer graag liedteksten en ik ben altijd op zoek naar hoe een tekst het beste zijn weg naar het publiek kan vinden. Maar je kunt je afvragen of tekst nu echt altijd het belangrijkste of beste uitgangspunt is van een lied. Een lied bestaat immers uit zoveel meer.

 

Misschien is het goed om even uiteen te zetten wat een goede interpretatie nu precies is. Een docent van mijn conservatoriumtijd, Annemarie Maas, stelt hierover in een blog de volgende vragen: “… Is iets een goede interpretatie wanneer de componist, performer en het publiek er samen over eens zijn dat er iets moois gebeurd is in de tijd dat het gezongen, danwel gehoord werd? Of misschien wanneer de performer datgene wat het lied moest brengen, daadwerkelijk weet over te brengen? Of misschien wanneer de luisteraar er, al is het even, door verwarmd of verward wordt? … ”

 

Wat mij betreft al het bovenstaande, maar de eerste vraag is al een volledig antwoord: iedereen die er direct mee te maken heeft, zowel makers als toehoorders, zijn het eens over de magie van dat moment. En hoe je die saamhorigheid creëert, dat hangt in mijn ogen af van je uitgangspunt bij het maken/uitvoeren van een lied.

 

1. Tekst

Goed, heel vaak is tekst wel echt het fundament van het lied. Het heeft een bepaalde boodschap, wil ontroeren, verwarren, aanzetten tot denken, etc. Luister eens naar Masters of war van Bob Dylan. Als deze man zou meedoen aan The Voice, zouden de stoelen dan draaien? Ik denk het niet. En toch had en heeft hij ontzettend veel fans van overal op de wereld. Waarom? Omdat hij een tekstuele boodschap heeft. Masters of war is een protestsong, zoals vele andere songs van Dylan en hij wil daar iets mee overbrengen. De enige reden – zeg ik gechargeerd – dat hij er een lied van heeft gemaakt is dat muziek het toegankelijker maakt, en dus meer mensen bereikt. Muzikaal stelt het echter niet zoveel voor.

 

2. Groove/beat

Je kunt me echter niet wijsmaken dat I feel good van James Brown, of elk ander lied uit zijn repertoire, zo’n interessante, diepgaande tekst heeft. De inhoud van die tekst is eigenlijk niet meer dan “Ik voel me goed, want ik heb jou”. En dat is helemaal prima. Want wat is het fundament van dat lied? Waar kun je niet omheen, ook als je het zelf zou willen arrangeren/uitvoeren? De groove, of de beat. In het Nederlands, denk ik, het beste te omschrijven als ‘dansbaarheid’. De melodie, het ritme, de sound, etc, zijn allemaal onderschikt aan deze dansbaarheid en elke uitvoering van Brown is dus ook altijd anders. Het moet grooven als een idioot, en wat er inhoudelijk precies bedacht is of gebeurt, dat maakt dan eigenlijk niet zoveel uit.

 

3. Melodie

Sommige liedjes zijn zo geschreven, dat de melodie meer indruk maakt dan de tekst die hierop drijft. Neem bijvoorbeeld een liedje als Jenny Wren van Paul McCartney. Zou je de tekst weglaten, blijft er een prachtig gitaarliedje over, met eenvoudige akkoorden, maar een prachtige melodie die erg veel aan de verbeelding over laat. Nu heb ik het liedje met enige regelmaat gehoord, en ik moet bekennen dat ik nog steeds niet weet waar het over gaat. De melodie is veel dominanter.

 

4. Harmonie

Het komt niet heel veel voor dat de harmonie (de progressies van de akkoorden) de overhand hebben in een lied, zeker als het een lied betreft waarin gezongen wordt. Maar de liedjes zijn er wel degelijk. Neem bijvoorbeeld Black Hole Sun van Soundgarden. Zing de melodie maar eens los. Eigenlijk is er dan niet zoveel bijzonders aan. En uiteraard gaan de melodie en harmonie hierin hand in hand. De harmonie geeft het lied echter zijn unieke geluid. De rest is eigenlijk ondergeschikt en misschien zelfs vervangbaar.

 

5. Ritmiek

Als er een iemand de koning is van ritmiek als fundament van een lied is het natuurlijk Michael Jackson. Neem bijvoorbeeld They don’t really care about us. Het grote verschil met het eerdergenoemde lied van James Brown is dat Brown ontzettend veel speelt met de melodie en ritme van de vocale lijnen, en de groove gewoon doorloopt. In bovenstaand nummer van Michael Jackson daarentegen valt er met het ritme van de zang (vrijwel) niet te spelen, is er nauwelijks harmonie aanwezig en zou je het zonder de percussie zingen of horen, blijft het waarschijnlijk prima overeind.

 

6. Virtuositeit

Als virtuositeit de overhand neemt, of heeft in een lied, haak ik persoonlijk al vrij snel af. Maar dat is smaak, er zijn natuurlijk genoeg mensen die daarop kicken. Virtuositeit ofwel “kijk eens wat ik kan”. Het is waar veel jazz vaak om draait. Luister zo eens naar een standard als Farmers Market of Twisted. Zou je zo’n lied zodanig uitvoeren dat je de tijd hebt voor de ingewikkelde melodieën/ritmes/harmonieën, neemt niemand je nog serieus. Maar ook in de popmuziek: Glennis Grace kan er bijvoorbeeld ook wat van. Beyoncé kan ook iets zingen om te laten horen hoe goed ze kan zingen (zodra ze gaat moduleren aan het einde van Love on top), maar gebruikt haar capaciteiten vaker om een ander fundament te ondersteunen. Zo ondersteunt elke ad lib in Listen de emotie die ze uit de tekst haalt.

 

7. Performance

Het is moeilijk voor te stellen dat een lied vooral draait op performance, omdat eigenlijk alles ook wel op plaat wordt gezet. Toch zijn er veel liedjes die veel minder interessant zijn als je de performance er niet bij ziet. De Noorse singer/songwriter Bernhoft maakt veel gebruik van een zogenoemd “loop-pedaal”, waarmee hij live sporen opneemt en direct afspeelt om zo een lied op te bouwen. Het lied C’mon Talk wordt ook op die manier opgebouwd. Sowieso een erg sterk lied, maar vooral interessant als je kijkt naar de manier  waarop hij het lied uitvoert. In feite zie en hoor je het lied ontstaan. Op dit moment ben je nog helemaal niet muzikaal/tekstueel inhoudelijk aan het luisteren.

 

8. Sound

Sound is eigenlijk altijd wel belangrijk. Waarom kiest een gitarist voor een akoestische gitaar, of waarom speelt een drummer op een bepaald drumstel? Maar vaak is dit een muzikale keuze ter ondersteuning van het geheel. Een lied kan prima blijven werken zou je het met een andere bezetting uitvoeren. Wat dus ook regelmatig gebeurt. Maar luister nu eens naar het lied Untitled 2 van de IJslandse band Sigur Ros. Dit lied, en sowieso deze hele plaat, is gebaseerd op soundscapes, geluiden, klank. Zelfs de tekst is een niet bestaande taal. Ik zou niet weten hoe je dit zou moeten uitvoeren zonder de sound intact te laten.

 

9. Beleving

Dit is misschien een van de vagere fundamenten die ik hier beschrijf, omdat het niet echt tastbaar is, en omdat muziek/kunst eigenlijk altijd om beleving gaat. In dit geval is beleving vaak een fundament van veel religieuze muziek (het maakt niet uit wat er en hoe het gespeeld wordt, als het aansluit bij het betreffende geloof gaan de handen al de lucht in, bij wijze van spreken…). Je moet je voorstellen dat op het moment dat je de volledige interpretatie bij je publiek neerlegt, de beleving door het publiek het fundament is. Denk hierbij aan ontzettend poëtische liedjes, zoals Blauwe Ruis van Bløf, waarbij het in eerste instantie misschien niet duidelijk is waar het over gaat, maar die wel tot de verbeelding spreekt. En die verbeelding zal bij veel mensen verschillen. Ook een erg mooi voorbeeld van beleving is het lied Taalloos van zanger/liedschrijver Maarten van Roozendaal, waarbij hij in de voorstelling De Gemene Deler van tevoren het publiek in 4 groepen verdeelt, die ieder de opdracht krijgen om dat lied een verschillende betekenis te geven. Vervolgens zingt hij een lied met enkel klanken, een soort scat. Het spreekt tot de verbeelding en voor elke groep betekent het iets anders.

 

10. Identiteit

Tot slot zijn er nog liedjes, zelfs hele muziekstijlen, die draaien op het vormen van een identiteit. Bij dergelijke concerten voel je je als publiek een geheel, en voel je je machtig. Smells like teen spirit van Nirvana heeft daar alles mee te maken. Zet het intro in, en iedereen begint onmiddellijk met headbangen, wordt recalcitrant en heeft zin om te schoppen tegen de maatschappij en autoriteit (oké, toegegeven, ik heb een keer een gig gehad waarbij het publiek spontaan begon te stijldansen op dit nummer…). Interessant is hoe Tori Amos een compleet eigenzinnige versie heeft gemaakt van deze klassieker, maar de identiteit wel in stand houdt. Door haar alternatieve uiterlijk en de ietwat duistere uitvoering pik je deze versie heel goed en doet het bijna nostalgisch aan, alsof je weer verlangt naar die tijd van protest tegen alles wat “normaal” is.

 

Zelden is het natuurlijk zo zwart-wit als dat ik het hierboven schets. En ook in de voorbeelden hierboven zijn er meerdere aspecten die de boventoon voeren. Zo is bij Sigur Ros ook beleving belangrijk, en draait religieuze muziek naast beleving ontzéttend om identiteit. Daarom is het misschien nog beter om te weten wat er níét belangrijk is. Is het verstandig om van Love on top van Beyoncé een ballad te maken waarin de tekst de boventoon voert? Ik denk het niet.

 

Overigens is het als zanger wel altijd goed om te weten wat je zingt. Daarmee kun je het lied namelijk heel goed ondersteunen. Maar waar ik bij sommige liedjes eerst samen met mijn muzikanten de tekst ga uitpluizen zodat zij ook weten wat ze nu precies aan het vertolken zijn (wat vaak de uitvoering ten goede komt), geef ik bij andere liedjes alleen maar aan dat het moet swingen. Dat is dan namelijk meer dan voldoende.

 

 

 

 
10
apr 13

Vocal Arts Academy

 

 

 

 

 

 

 

 

Met trots kan ik jullie vertellen dat ik samen met Siebe Palmen (www.siebepalmen.nl) een zangschool ben begonnen in Utrecht – Leidsche Rijn. Deze moderne zangschool richt zich op popmuziek en heeft een breed lesaanbod. Naast de reguliere lessen bieden wij ook de mogelijkheid voor getalenteerde en gemotiveerde leerlingen om zich verder te ontwikkelen in de Talentenklas.

 

Kijk voor alle informatie op de website www.vocalartsacademy.nl.

 

Een jaar geleden kwamen we op het idee een zangschool te beginnen met lessen die alle aspecten van zingen voorbij laten komen. Niet alleen techniek en gezond stemgebruik zijn belangrijk, maar ook performance, tekstinterpretatie, zingen in de studio, stijlkennis, en nog veel meer. De trajecten van 10 of 20 weken werken altijd naar een einddoel toe. In de 10 weekse workshop wordt gewerkt aan een presentatie. De 20 weekse trajecten werken toe naar een optreden en een studio opname.

 

We zijn super trots op onze school en we hopen dat jullie het ook te gek vinden!

 

Like ons op facebook als je het leuk vindt!

 

 

 
03
feb 13

Test: De juiste microfoon

 

 

Test: Zoektocht naar de juiste microfoon

 

In mijn zoektocht naar de meest geschikte microfoon heb ik al heel wat modellen mogen proberen. Mijn eerste microfoon, de goedkoopste van Shure die je kunt vinden, die ik kocht toen ik 12 was, maakte na een tijdje plaats voor de meest gebruikte microfoon ooit: de Shure SM58. Werkt altijd, gaat nooit kapot, wordt in bijna elke popzaal/repetitieruimte gebruikt, dus als je dan je eerste echte microfoon gaat kopen ga je voor dit beestje. Je weet niet beter en als iedereen het gebruikt zal het wel goed zijn.

 

Hoewel ik er veel plezier van heb gehad, merkte ik toch dat mijn stem door deze microfoon heel anders klinkt dan zonder versterking. Wollig, bijna alsof ik in een deken zing. Details in mijn stem zijn moeilijk te horen en mijn schuifje op de mengtafel moest altijd een stuk hoger staan, dan bij zangers met bijvoorbeeld een Shure Beta58. Minder output dus.

 

Op een gegeven moment was ik het zat en ging op zoek naar een microfoon die mijn stem weergeeft zoals ik hem graag hoor. Het werd de Neumann KMS105. Meteen een flinke stap vooruit. Ik was tijdens het proberen in de winkel direct verliefd op de klank en de gedetailleerde weergave van mijn stem. Hij won ook met een grote voorsprong van de Shure SM87a. De Neumann was fijne verbetering na jaren met een SM58 te hebben gezongen.

 

De Neumann ging overal mee naar toe. Van repetitieruimtes tot optredens in het theater tot grote popfestivals en rockkroegjes. Al snel bleek er een groot nadeel te kleven aan deze microfoon. Aangezien het een condensator* microfoon is, merkte ik al snel dat de Neumann KMS105 en een stevige rockband niet door één deur gaan. Deze microfoon is ontzettend gevoelig voor omgevingsgeluid, dus geluidstechnici worden gek van alles wat de mic oppikt naast de stem. Daarnaast is monitoring lastig, omdat hij snel rond zingt.

 

 

* Condensator microfoon 

Een strak gespannen membraan heel dicht bij een harde achterplaat vormt een condensator. Via een hoge weerstand staat hier spanning op. Het doorbuigen van het membraan veroorzaakt verandering van die spanning, omdat de lading hetzelfde blijft, maar de capaciteit verandert. De voorspanning wordt meestal geleverd via de aansluitkabel middels fantoomvoeding, waarbij 48V op de signaaldraden staat. Tevens voedt dit de ingebouwde buffer-versterker.

 

 

Conclusie: Er moest een andere microfoon komen voor de luidere optredens. Dus ik stapte in de auto en reed naar de Music Store in Keulen. Een enorme muziekwinkel, waar ze hoogstwaarschijnlijk een enorme berg microfoons zouden hebben om uit te proberen. Daar aangekomen viel het me een beetje tegen. De standaard microfoons als een Shure SM58 en Shure Beta58 kon ik daar proberen, net als wat AKG’s en een aantal andere redelijk bekende merken. Uiteraard heb ik de microfoons allemaal geprobeerd en ik stuitte op een andere onbekende van Shure: De SM86. Een condensator microfoon, maar hij leek minder gevoelig te zijn dan een Neumann KMS105. Natuurlijk weet je nooit hoe zo’n microfoon zich op het podium gedraagt totdat je het probeert, dus ik besloot deze mee te nemen en te proberen.

 

Ik kwam al snel tot de conclusie dat deze microfoon nog steeds te gevoelig is voor het wat stevigere bandwerk. Mijn zoektocht ging verder, maar nu met een volgende eis: De microfoon moet minder gevoelig zijn voor omgevingsgeluid, dus ging ik voor een dynamische microfoon*.

 

Ik heb de volgende dynamische microfoons geprobeerd:

 

Shure Beta57
Shure SM58
Shure Beta58
Sennheiser e825s
Sennheiser e845
Heil PR22
Heil PR35

 

Na het uitproberen van deze microfoons, begon ik langzaam de moed een beetje op te geven. Ik ben verwend met mijn Neumann en geen enkele van bovenstaande microfoons werkt zo goed met mijn stem als die.

 

Natuurlijk zijn er nog veel meer microfoons die ik had kunnen proberen, zoals Beyerdynamic, Audix, ElectroVoice, etc. Ware het niet dat deze microfoons moeilijk te krijgen zijn in Nederland. Onze standaard is Shure, waar bijvoorbeeld in Amerika Audix een heel gebruikelijk merk is.

 

Er bleven nog een paar opties over, waaronder de e900 serie van Sennheiser. Op internet staan veel demo filmpjes van microfoons, waaraan je een klein beetje kunt horen wat voor karakter een microfoon heeft. Natuurlijk moet je ‘m daarna wel zelf proberen, want dat soort opnamen is uiteraard geen natuurlijke weergave. Ik ging dus ook op zoek naar informatie en reviews van de e935 en de e945. (De e935 is een nier microfoon en de e945 is een supernier microfoon*). Informatie vinden over deze microfoon is geen makkelijke opgave. Filmpjes van slechte kwaliteit en reviews van klanten van muziekwinkels die alleen maar “Ik vind deze microfoon mooi!” opschrijven. Na een aantal uren zoeken trok ik de stoute schoenen aan en stuurde een mail naar Sennheiser. Al snel kreeg ik een reactie dat ik gebeld zou worden. En ja hoor, ik werd daadwerkelijk gebeld. Ik legde uit wat het probleem was en een week later had ik 3 test microfoons thuis liggen: De e935, e945 en e965 (condensator). Wat een service! Zo kon ik ze direct op het podium en in de repetitieruimte uitproberen.

 

Er ging een wereld voor me open. Met de e945 aan mijn snoer klonk mijn stem helder, gedetailleerd, maar hield voldoende body over om een breed geluid te houden. Tijdens bandrepetities kom ik nu ineens door de mix heen, kan de rest mij ook horen en op het podium heb ik niet snel last van feedback.

 

Een verademing dus! Ik was er al snel uit; dit moest hem worden. Uiteraard kan hij mijn Neumann KMS105 in klank niet vervangen, maar de e945 heeft wel een natuurlijkere weergave van mijn stem dan bij alle andere dynamische microfoons die ik tot nu toe heb geprobeerd.

 

De moraal van dit verhaal is uiteindelijk dat elke vocalist een andere klank heeft en dat behoeft dus ook een andere microfoon. Ga niet voor de algemeen geaccepteerde standaard, maar zorg dat je je stem kunt laten horen op de manier waarop jij dat wil, passend bij de situatie. Wij zangers zijn over het algemeen een beetje bang voor techniek en technische termen, maar als je je er een klein beetje in verdiept kan het een goede, inspirerende en bevredigende uitkomst hebben. Veel verschillende microfoons gaan proberen dus!

 

 

 

 

* Dynamische microfoon

Een dynamische microfoon is een microfoon waarvan de werking berust op het bewegen van een spoel in een magneetveld. De spoel is verbonden met een dun membraan dat geluidstrillingen opvangt waarmee door middel van inductie een elektrisch signaal opgewekt wordt.

* Nier (cardioide) en supernier (super-cardioide)

Dit zeg iets over het opnamepatroon van het geluid. Zie hieronder. 0° is de plek waar je in de microfoon zingt, het grijze gebied geeft aan hoe gevoelig de microfoon is en in welk gebied hij geluid oppikt. (Er worden nog meer opnamepatronen afgebeeld, maar voor live vocals zul je alleen te maken krijgen met de cardioid, supercardioid of hypercardioid).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 
13
jan 13

Artikel: Annemarie Maas over interpretatie

Amersfoort, 12 januari 2013

Door

Annemarie Maas

vocalist, stemacteur, zangcoach, performer

Website Annemarie Maas

 

INTER-pretatie

 

Interpretatie als woord

Het woord lijkt het al aan te geven: iets tussen twee ‘actoren’  in, heen en weer als in ‘inter’city, ‘inter’disciplinair, ‘inter’nationaal. Er schuilt een bepaalde wederzijdsheid in, wederzijdse invloed zo je wilt. Je hebt de muziek en degene die de muziek gaat uitvoeren; in geval van de zanger: de song en de performer.

 

Een goede interpretatie

Wat een goede interpretatie is (ik schreef eerst per ongeluk ‘interprestatie’ – wat natuurlijk vanaf nu een gangbaar woord moet worden!) lijkt mij moeilijk te duiden. Misschien wanneer de componist, de performer en het publiek het er samen over eens zijn dat er iets moois gebeurd is in de tijd dat het lied gezongen, dan wel gehoord werd? Of misschien wanneer de performer datgene wat het lied moest brengen, daadwerkelijk weet over te brengen? Of misschien wanneer de luisteraar er, al is het even, door verwarmd of verward wordt? Lastig te zeggen. Het is ook flauw om er helemaal geen eigen uitspraak over te doen, dus zal ik een poging wagen.

Voor mij laat een geslaagde song-interpretatie zich ongeveer zo omschrijven:

 

De performers geven de song een nieuw leven.

Een leven opgebouwd uit een tempo dat klopt, melodische lijnen die iets vertellen, klankkleuren die tot de verbeelding spreken, dynamieken die het hart sneller laten kloppen, articulatie die doet dansen, groove die de onderbuik raakt, vorm die vrijheid geeft, instrumenten die elkaars betekenis kennen, een arrangement dat goed smaakt, woorden die betekenisvolle zinnen worden, tekst die door achterliggende gedachten en daarbij behorende gevoelens gedragen wordt, harmonisch en ritmisch fundament waarop al het bovenstaande een waardevolle plek krijgt.

 

Drie bronnen

Een bron van waaruit de performer werkt is wat er al was: het idee van de maker, de componist. De performer denkt na over wat de componist bedoeld kan hebben en laat al het materiaal op zich inwerken. De performer doet onderzoek als het ware naar de betekenis van het stuk en daarna, of misschien tegelijkertijd, ontmoet dat wat de performer ontdekt hetgeen de performer allemaal al weet en voelt en verlangt: de eigen bron

Het vinden van een waardevol verband tussen die twee ‘levens’, de song aan de ene kant en de performer aan de andere kant, is denk ik wat een interpretatie de moeite waard maakt.

 

Nou lijkt het alsof er alleen maar een heel wetenschappelijk proces moet plaatsvinden voordat een zanger tot het zingen van een stuk kan komen…niets is minder waar.

Een geweldige uitvoering kan niet tot stand komen als de performer slechts met voorkennis  zingt en dus alleen maar doet wat van te voren bedacht en geoefend was. Wat een interpretatie maakt of breekt is precies datgene wat niemand van te voren kan bedenken: in het moment excelleren – oftewel: de flow van het moment, oftewel ‘pieken’  in het moment, één (het bekende) plus één (het onbekende) is drie: de bron van het moment.

Alle voorbereidingen zijn dus alleen maar van nut geweest wanneer de interpretatie op het moment van uitvoeren vleugels krijgt

 

De weg ernaartoe

Om dat te bereiken is de performer het zichzelf verplicht alles eruit te halen wat er in zit. Daar is zeker moed en doorzettingsvermogen voor nodig (om te oefenen, onderzoeken, te vallen en opstaan) maar vooral passie en liefde voor de kunst natuurlijk.

Ik denk dat een matig getalenteerd zanger met het muzikale hart op de goede plaats meer teweeg kan brengen dan de getalenteerde zanger die zichzelf niet vernieuwt.

Maar goed, het is natuurlijk wel zo handig wanneer je een paar ingrediënten bezit en activeert die in ieder geval de mogelijkheid tot succes bieden:

 

. zangers intuïtie

. muzikale aanleg

. discipline

. open mind

. verlangen en fantasie

 

To sum it up

Een interpretatie komt tot stand door een constante wisselwerking tussen het materiaal en de performer(s). Verder is er een constante wisselwerking tussen wat de performer wil en wat hij kan. Doel is om het optimale uit het materiaal en het eigen presteren te halen. Zoiets bereik je door te leren en dat bereik je door te studeren, mediteren, interesseren, evalueren…. En nog heel veel meer werkwoorden die op ‘eren’  eindigen en bijdragen aan het mooie proces van de wederzijdse beïnvloeding, dat we interpretatie noemen.

 

 

 

 
12
dec 12

Artikel: Je draadloze systeem onbruikbaar?!

 

 

 

 

Vocalisten met draadloze microfoons, muzikanten met draadloze in-ear systemen en met draadloze instrumentensystemen opgelet!

 

Er gaat vanaf 2013 iets veranderen wat een grote invloed kan hebben op het gebruik van je huidige draadloze systeem. De overheid heeft besloten vanaf 1 januari 2016 een groot aantal frequenties te verbieden. Deze frequentieband gaat gebruikt worden door telecomproviders voor mobiel breedband internet.

 

Dat betekent voor velen van ons dat je vertrouwde draadloze systeem ineens onbruikbaar is. Nu denk je waarschijnlijk dat je er pas vanaf 2016 last van gaat krijgen, maar dat is niet zo. Vanaf 2013 worden de frequentiebanden vrijgegeven aan de telecomproviders. Je mag dan nog wel gebruik maken van de meeste frequenties, maar je zal hoogstwaarschijnlijk te maken krijgen met storingen.

 

De frequentieband die niet meer bruikbaar is loopt van 790-862MHz. Kijk dus even achterop je zender of ontvanger in welke band jouw systeem zit. De draadloze microfoons in de band 862-865MHz en onder 790MHz blijven over het algemeen vrij te gebruiken.

 

Tweedehands kopen?

 

Wil je een draadloze set tweedehands aanschaffen? Check dan altijd even de frequentieband, want er zijn een heleboel mensen die hun draadloze systeem plotseling gaan verkopen voor een prijs die te mooi is om waar te zijn. Tip: Dan is het meestal ook te mooi om waar te zijn!

 

Wil je er meer over weten? Kijk dan even op Agentschap Telecom

 

 

 
07
dec 12

Test: TC Helicon VoiceLive Play

 

 

 

Een multi-effectenpedaal voor vocalisten. Sinds kort kan ik deze toevoegen aan mijn collectie en ik moet zeggen dat ik er tot nu toe erg tevreden over ben. De naam van het apparaat spreekt dan misschien niet echt tot de verbeelding, maar de mogelijkheden zijn zeer uitgebreid. Alle effecten die heel gebruikelijk zijn op studio-opnamen kun je nu ook live gebruiken. Naar mijn mening geen manier om je eigen stem te verbloemen, maar juist om het wat extra karakter te geven! Je kunt een nummer artistiek gezien naar een hoger plan tillen door zorgvuldig te kiezen hoe je wilt klinken.

 

Hieronder even op een rij wat het pedaal allemaal kan:

 

Effecten

Het pedaal heeft zo’n 230 effecten pre-sets, die bijna allemaal gebaseerd zijn op de sound van een vocalist uit een bekend nummer. Zo zijn er o.a. presets van de effecten van Smells Like Teen Spirit, Rolling In The Deep, Pokerface, Hey Jude, Paradise City en nog veel meer. Er zitten 7 verschillende effecten in die je kunt aanpassen naar je eigen wens. Ieder effect kun je aan zetten met de ‘Hit’ button. Soms wil je niet dat het effect de hele tijd aan staat, maar bijvoorbeeld alleen in het refrein. Dan kun je wel je pre-set laden, en zodra je op de ‘Hit’ button drukt gaat het gewenste effect aan.

 

De effecten:

 

  1. µMod – Hier vind je effecten die je geluid moduleren, zoals een flanger, rotator en panning.
  2. Delay – Kies hier uit de verschillende delays, of ga voor een tap tempo delay, waarbij je op het moment zelf je eigen delay tempo bepaalt. Hier kun je er ook voor kiezen om je delay een effect mee te geven, zoals een megafoon- of radiogeluid.
  3. Reverb – Hier vind je verschillende reverbs, van kathedraal galm tot een kleine houten kamer.
  4. Harmony – Voeg meerstemmigheid toe aan je geluid. Je kunt een heel koortje maken, maar ook bijvoorbeeld alleen een octaaf erop of eronder. Je kunt hier een toonsoort invoeren of gebruik maken van de ‘autokey’.
  5. Double – Voor een extra dik geluid kun je kiezen voor een dubbelaar. Je kunt je stem ook een onstrakke dubbel geven, wat een leuk effect kan zijn. Dubbelen kan met één stem, maar ook met meerdere stemmen.
  6. Hard-Tune – De autotune die je tegenwoordig in elk popnummer hoort kun je nu zelf namaken en gebruiken.
  7. Transducer – Hier kun je filters en overdrive aan je geluid toevoegen.

 

Extra’s

 

Looper

Uiteraard zit er ook een looper in de VoiceLive Play. Wie kan tegenwoordig nog zonder?

 

Microfoons

Het pedaal biedt de mogelijkheid om zowel een dynamische als een condensator microfoon aan te sluiten. Daarnaast zitten er twee microfoontjes ingebouwd die bijvoorbeeld het omgevingsgeluid oppikken, zodat je dat in kan mixen op je in-ear monitors. Deze microfoons luisteren ook naar de rest van de band, zodat de toonsoort bepaald kan worden voor de autokey van de harmonizer.

 

Oefenen

De VoiceLive Play heeft ook een oefen optie. Je kunt je iPod of mp3-speler inpluggen, een koptelefoon aansluiten en dan meezingen. Er zit zelfs een functie op die de stem uit de muziek wegfiltert, zodat er een soort van instrumentale versie overblijft.

 

MP-75

TC Helicon heeft een microfoon ontwikkeld met een knop. Deze knop correspondeert met de ‘Hit’ button op het pedaal. Zo kun je overal op hit drukken, zonder bij het pedaal te hoeven staan. Ik heb geen idee wat de kwaliteit van deze microfoon is, dus mocht je dit interessant vinden kun je er zelf wat meer informatie over zoeken.

 

Genres

Alle opgeslagen effecten worden gecategoriseerd in genres. Als je een genre kiest, laat het pedaal alleen de effecten zien die je onder dat genre hebt geschaard.

 

Mijn ervaringen

Tot nu toe heb ik gemerkt dat het een heel intuïtief apparaat is. Je hoeft niet lang te zoeken om iets te vinden, en je kunt alles snel aanpassen aan je eigen smaak. Er staan ook al een heleboel presets in die goed te gebruiken zijn in bijvoorbeeld coverbands, als je de sound van een artiest graag wil nabootsen. Naast de presets is het erg fijn om zelf effecten te maken. Je kunt van een simpele reverb tot een bizar en futuristisch effect gaan. Wat wel lastig blijft is dat je na een tijdje merkt dat er beperkingen zijn. Er zijn een heleboel opties, maar soms wil je iets voor elkaar krijgen wat niet kan.

 

De effecten stimuleren wel de creativiteit in mijn geval. Door te zingen met een bepaald effect, ga je ook met je eigen klank spelen en probeer je dingen uit. Je ontdekt nieuwe manieren van klank maken en je kunt een nummer een totaal andere sfeer meegeven door het juiste effect te gebruiken. Je kunt zelfs één bepaald effect als basis kiezen voor al je nummers, zodat je een eigen stijl, sound en imago creëert.

 

Ik ben er al met al heel blij mee en ga nog een heleboel uitproberen!

 

 

 

 

 
04
okt 12

In de spotlight: Beyoncé @ Glastonbury

 

 

Naar mijn bescheiden mening één van de beste zangeressen van het moment. Check dit concert waar ze alles uit de kast haalt. Ze danst fantastisch, zingt adembenemend goed, verstaat het vak van entertainer als geen ander en weet een ontzettend goede crew en band om zich heen te verzamelen en met hen topshows neer te zetten!

Neem even anderhalf uur vrij en ga er goed voor zitten, want hier kunnen we allemaal nog wat van leren.

Veel plezier!

 

 

 

 

 

 
17
jul 12

In de spotlight: Bernhoft

 

Hoef ik niets over te zeggen, gewoon luisteren:-)!

 

 

Upcoming gigs:

30 oktober 2012 – Tivoli De Helling, Utrecht

 

http://www.bernhoft.org/ 

 

 

-

 
« Older Entries

Copyright © 2016 VocalBooth
Proudly powered by WordPress, Installed by Installatron., Free WordPress Themes